Je rajoute ici mes critiques du film Tintin de Spielberg et de la B.D. Noé, toute deux publiées chez AnotherWhiskyForMisterBukowski (lien dans le blog roll) juste avant.

Tintin & Le tacle Spielberg

Nombreuses furent les critiquent qui ont fusé à la suite des diverses avant-premières de « Tintin : le Secret de la Licorne ».
On ne va, d’ores et déjà, pas prendre en compte l’avis des féroces adeptes du cinéma d’auteur si français, ou plutôt si. Consister à casser un film qui va forcément marcher car son réalisateur est malheureusement un génie international, juste pour promouvoir son cinéma nombriliste au manque d’ambition total, je ne trouve pas ça si malin, c’est même mauvais joueur. On sait à quel point Spielberg a aimé notre nouvelle vague (je vous ramène à son amitié avec François Truffaut que l’on voit notamment dans rencontres du 3ième type) et à quel point il aime notre pays : pour cela il suffit de s’amuser à remonter toute sa filmographie pour découvrir toutes ces petites références. Alors non je n’apprécie pas que nos fameux critiques descendent de manière si facile un auteur / réalisateur qui a marqué l’imaginaire collectif depuis si longtemps. D’ailleurs je vous invite à compter le nombre de mauvais films qu’il a pu faire : c’est tout simple, ça tient sur les doigts d’une main alors qu’il en a fait une bonne vingtaine…
Donc oui je préfère amplement le cinéma de genre et je me fous complètement de quel pays il vient du moment qu’il est bon. Et j’apprécie notre exception culturelle surtout lorsqu’elle prend des risques et pas quand elle se repose sur ses lauriers supprimant nombre de projets qui ne sont pas des comédies, ou des drames plein de pathos. Et je vous demande pourquoi tous les si bons réalisateurs européens s’en vont vers Hollywood ? A croire que la liberté se trouve bel et bien là-bas…
J’en rajoute probablement des tonnes, et ce de manière caricaturale car succincte, mais que veux-tu, c’est Spielberg qui m’a donné envie de faire du cinéma, pas toi et ton film sur tes pieds et ses mycoses.

Attardons-nous désormais sur les tintinophiles. Là c’est une autre histoire car on touche au Graal. Ou pas. Car dès la séquence de générique on sait que ce n’est qu’une nouvelle interprétation des albums d’Hergé : lui ne dessinait pas sur une machine à écrire ! C’est donc l’œuvre de trois scénaristes dirigé encore et toujours par Spielberg. Comme pour tous ses films c’est lui qui est derrière le scénario, qui en donne les grandes lignes, les grands coups de pinceaux. Sinon on ne retrouverait jamais ses thèmes favoris.
Donc non, ne vous attendez pas à une mise-en-image fidèle des œuvres d’Hergé, encore heureux. Je vous invite à voir « tintin et les oranges bleues » par exemple, vous y verrez la cata. Réjouissons-nous plutôt de voir que c’est un tintinophile également qui a réalisé ce film à grand spectacle, il acheté les droits pour la bande-dessinée en 1984. Et on sait désormais qu’il s’est inspiré de Tintin pour Indiana Jones et La Dernière Croisade (voir plus). J’ai aussi lu qu’on avait perdu la ligne claire, soit, sauf que si on regarde le film en 3D, comme l’a souhaité Spielberg donc, avec cette performance capture qui retranscrit en animation chaque faits et gestes des véritables acteurs, on peut voir que celle-ci est vraiment épurée, que les jeux de lumières sont splendides sans nous en mettre plein la vue et que le tout est un réel plaisir à regarder. Merci à Peter Jackson et son studio d’effets spéciaux : Weta.
Je ne vais pas vous parler de toutes ces transitions entre diverses séquences qui sont des merveilles d’inventivités, mais ce serait mentir que dire que ce film est exempt de défauts, je pense juste au climax avec cette scène d’action sortie d’un jeu vidéo. À vrai dire je ne sais pas vraiment quoi en penser de cette scène, j’ai à la fois pris mon pied, et ça m’a piqué les yeux en même temps alors passons.

J’ai quasiment eu le sourire du début à la fin, en retrouvant l’humour de Spielberg que l’on découvre sous les traits de Sakharine (sans voler la vedette à Daniel Craig ou à peine). D’ailleurs, c’est un plaisir aussi de voir toutes les petites citations que Spielberg fait à ses propres films, comme si il se définissait lui-même comme un Hergé du cinéma. Avec un autre on se serait probablement dit, mais il se répète, les chevilles qui enflent, etc, etc… Mais c’est justement car on se souvient de tous ses films et que l’on remarque ces références qu’on se dit qu’il peut tout de même se le permettre. A contrario toi et tes deux films sur ta paire de gants qui ont subit le rhume de l’hiver, non, on ne les connaît pas.

Spielberg est donc en train de nous refaire une trilogie à la Indiana Jones, un peu plus enfantine certes mais où au moins on se sent entre de bonnes mains : exit Georges Lucas, le mec qui a une fausse bonne idée tous les 10 ans.

NOÉ – Pour la cruauté des hommes (BD)

Si je traite aujourd’hui, et ce pour la première fois, d’une bande-dessinée, c’est parce que son auteur est tout simplement un réalisateur très peu connu du grand public. Il n’a tout simplement réalisé que PI, Requiem For A Dream, The Fountain , The Wrestler, et tout dernièrement Black Swan, j’ai donc nommé Darren Aronofsky.
J’ai écris « son auteur », mais à vrai dire il y en a deux, lui et Ari Handel. Et le dessin et les couleurs reviennent à Niko Henrichon (mais je ne me consacrerai, ici, qu’exclusivement au scénario).

Ari Handel n’est pas totalement inconnu au bataillon puisqu’il a co-écrit, avec ce réalisateur, l’histoire qui a servi de base au film The Fountain. Il y a deux points communs qui sautent évidemment aux yeux, il est affaire de mysticisme et cette histoire (Noah en anglais) est prévue pour être adaptée au cinéma.

A leur vision, j’ai toujours aimé les films d’Aronofsky, et avec le temps, quelques préférences me sont apparues naturellement. Mais je garde toujours en tête que c’est l’un des auteurs-réalisateurs les plus doués de sa génération. Dès son premier film, il a su imposer un style qui lui est propre. À savoir une mise-en-scène minutieuse et qui n’est pas simplement une mise-en-image d’un scénario, elle a un véritable sens. Elle est également radicale : quand il veut faire ressentir quelque chose, il n’y va pas par le dos de la cuillère. Et il n’hésite pas à creuser à fond son propos : il sait garder une règle de conduite afin de ne pas sortir, par quelques digressions inutiles, de son histoire. Il s’agit de personnages blessés, se dirigeant tout droit vers la folie ou la mort, ne combattant pas pour d’autres ou à peine, mais pour se sauver de leurs propres démons. À l’exception de The Foutain, et encore, il suffit d’étendre ce principe à un couple avec l’un des deux dans ces ténèbres, et l’autre dans une lumière éphémère tentant d’éclairer le premier.

Après ce constat, mes premiers doutes surgissent après avoir lu le tome 1 de cette BD.
Or la première planche est vraiment forte : la main d’Eve qui arrache la pomme de l’arbre de la connaissance. Puis en une ellipse, qui n’est pas sans rappeler 2001 L’odyssée, nous passons à la main d’un homme tenant une pierre taillée qu’il brandit… pour tuer un homme. Adam et Eve ayant eu accès à un outil : la connaissance dans le jardin d’Eden.

Noé, descendant d’Adam et Eve donc, vit l’enfer sur terre. C’est un décor ravagé, une sorte de désert où nous y voyons pourtant des restes de civilisations. Il n’y a plus qu’une cité, Bab-Ilim avec sa tour (la tour de Babel en plein antagonisme gnagnagna) ; celle-ci arrive bien après l’apocalypse de Noé dans le livre de La Genèse. Cette tour nous prouve simplement qu’il est encore question de connaissance. Tout comme ce qu’il arrive à notre Noé international, avec ses visions qui m’ont fait penser au film Valhalla Rising, bien qu’elles soient concentrées sur le déluge qui va arriver. Il se demande, sans cesse, ce qu’elles peuvent dire (pas très malin pour un mage) et une fois qu’il a compris, il se demande ce qu’il faut faire…

Alors après ça, on se demande légitimement si c’est « La Genèse Pour Les Nuls » ou quoi ? Et bien on y est un peu, et pas du tout à la fois. Aronosfky et son comparse Handel, sont en train de proposer une vision particulière de La Genèse chapitre 6 avec une véritable histoire, des antagonistes, une morale comme c’est pas bien de tuer les animaux juste pour leur cornes, des monstres mais des qui sont sympas en fait, etc…
Mais il y a surtout deux choses qui m’énervent le plus, à la fin de cette lecture, c’est se sentiment d’être pris pour un gamin de 10 ans à qui il faut faire vraiment attention à ce que l’on raconte, et surtout à ce que le montre, pour ne pas qu’il fasse des cauchemars épouvantables… Et cette incroyable frustration après la dernière page tournée : quoi, c’est tout ???

C’est donc bien la première fois que monsieur Aronofsky m’énerve. Je suppose qu’il va aller jusqu’au chapitre 9 de La Genèse, et j’espère sincèrement que dans les 3 tomes qui vont suivre il va encore plus s’écarter de ce « livre » pour créer une œuvre personnelle. Car en connaissant son potentiel, pour l’instant, on ne peut que s’interroger sur le pourquoi d’une telle BD, d’autant plus qu’elle risque d’être portée sur grand écran…

Je garde néanmoins bon espoir : il s’est donc, comme je l’ai déjà expliqué, légèrement écarté du « livre », mais je pense aussi qu’un plan en 3 actes, comme dans un scénario, se profile : présentation de la situation de base, description du personnage principale, de ses alliés et de ses antagonistes, et premier nœud dramatique qui lance les péripéties (ça c’est le premier acte, et c’est celui qui se trouve dans ce tome 1). Je suppose donc que, si cette BD est bien construite comme un scénario de long-métrage, dans les deux prochains épisodes, nous aurons le droit au deuxième acte avec les péripéties : le protagoniste tentant d’atteindre son but avec les antagonistes souhaitant l’en empêcher ; jusqu’au second nœud dramatique qui pousse l’action dans un autre sens (avec par exemple une mort physique et / ou spirituelle du protagoniste). Et le dernier acte, qui sera situé à la fin du tome 3 ou en début du dernier tome, avec son climax, et enfin le dénouement. Et tout cela avec une relecture de 4 chapitres de La Genèse.

Enfin voilà, demi-déception en lisant ce tome 1. Allez plutôt l’emprunter à la bibliothèque du coin. Je pense, enfin j’espère énormément, que mon impression va changer dans l’épisode qui va suivre. Malgré tout, si il se décide vraiment à l’adapter au cinéma, on sait déjà que ce pourrait être son œuvre la plus ambitieuse.

On va d’ores et déjà entrer dans le vif du sujet avec un clip que j’ai fait en collaboration avec Thibault Ciesielski. C’est beau Paris non ?

Voici ensuite deux réalisations de @ruzbird mon graphiste de talent (que vous avez dans le blog roll). Si c’est pas la grande classe ça…

Et on passe à quelques découvertes assez succulentes.

Ça par exemple, c’est bluffant :

On dirait pas, je sais et je l’ai déjà dis, mais c’est l’automne :

Oh des méduses (oui, j’ai une très bonne concentration) :

Graphisme & Expérimental :

Allez je vais finir en distribuant du chocolat pour tous.
Je commence par du toblerone cyber-punk :

Et le combo, interdit au moins de 16, de SupraSumo t’achève (publié d’abord chez AnotherWhiskyForMisterBukowski) :

Maintenant, allez faire des bébés dans “l’herbe tendre” avant l’apocalypse !

Pose longue et petite lampe de poche rouge.

A la Trinité-Sur-Mer, un brin de mer s’enfonce dans les terres.
C’est la rivière de Crac’h.
J’y ai pris quelques photos en Aout 2011, avec mon tout nouveau Canon 60D, que j’ai un peu retouchées avec Aperture.
Et si tout va bien, une vidéo, sur la Trinité elle-même et ses environs, suivra.

Mais pour vraiment commencer, rions un peu !

Panique au village :

Lapines carnivores (publiées d’abord chez AnotherWhiskyForMisterBukowski, lien dans le blogroll) :

Bounce !

Animation 1/3

Animation 2/3

Animation 3/3

Spider ! (un film de Cronenberg)

Experimental as usual :

Magritte love :

VOYAGE AVEC TES OREILLES

et si tu veux me donner un petit coup de main, partage et vote pour ceci, en copiant / collant cette adresse : http://pitch.peopleforcinema.com/pitchs/the-fluxer/
On sait jamais, ça peut marcher, qui sait…

Allez hop, mode farniente on !
Biz.

Pour commencer en beauté voici le groupe We Were Evergreen avec un titre folk, “Vintage Car”, qui donne le sourire, celui qui remonte jusqu’aux yeux (ouais, carrément !).
Et je ne le mets pas parce que c’est mon pote Domino qui l’a fait. Oh non, loin de là. Vous avez vraiment une vision minable de la nature humaine !

Voici maintenant un petit régal pour les fans de l’art japonais et du groupe Phoenix :

Une balade dans Prague ?

Alors ça c’est le must du must de ce qui se fait actuellement en motion design :

Quand je vous parle d’expérimental, c’est pas pour rien !

Un court métrage somptueux sur la probable mort d’un samouraï :

Une trilogie musicale qui ne vous laissera pas de marbre :

Et pour finir, encore de la musique. Dans Apocalyspe Rhum, il y a chance / malchance :

Ok ! C’est bien parce que vous le demandez hein. Voici donc en complément, un court métrage de Rob Chiu :

Nous voici donc revenu à cette saison où les oiseaux se remettent à chanter à 4h du matin… pour bien nous pourrir nos soirées, nos nuits plus exactement. On se dit alors qu’on doit faire un peu parti de leur famille, en bons pigeons que nous sommes à sortir du club « … la bite sous le bras » comme dirait Le Grand Jacques, certains soirs où cette fameuse roue ne tourne pas.
Mais le lendemain, soleil et chaleur sont au rendez-vous. Et je ne sais par quel processus psychologique-physique-physiologique font que nos hormones se réveillent à ce moment là de l’année et que nous avons des pulsions pour attaquer. Nous devenons prédateur, et nous avons faim tel un T-Rex se réveillant un matin du Jurassique en apercevant toute une population de Dryosaurus en bas de sa colline.
En fait si, je sais… une mini-jupe et un décolleté, rien de tel.
« Le plus beau moment de l’amour, c’est quand on monte l’escalier » Georges Clemenceau (double-sens one again)
N’est-ce pas, d’ailleurs, au printemps que les fleurs s’ouvrent et que les frelons viennent y… foutre leur dard.
A quoi bon parler d’amour (les vidéos qui vont suivre parleront d’elles-mêmes !) vu qu’il n’est réservé qu’à ceux qui sont repus (et là je cite Euripide).

Mais le but de ce post est surtout de vous faire partager quelques clips ou court-métrages particulièrement succulents.
Alors à table !

Pour commencer, un clip / court-métrage largement inspiré de la Nouvelle Vague.

Deux court-métrages de Ted Chung :

Par le fameux Chilly Gonzales, enjoy :

Surréalisme :

Et pour finir, sensualité :

Je rajoute ici ma critique du film 127 heures, publiée d’abord chez anotherwhiskyformisterbukowski, le lien est dans le blogroll.

« 127 heures » Une leçon de vie

Après « Slumdog Millionnaire » voici le grand retour de Danny Boyle aux commandes d’un film, certes, plus modeste mais tout aussi puissant. Et pourtant je l’attendais au tournant le bougre, comment captiver autant les spectateurs ?

Je parlais de « sensations » dans mon premier post, ici nous y sommes complètement. Un scénariste et un réalisateur (ou un auteur-réalisateur bien sûr) font de vous leur jouet, ils manipulent vos émotions, vos sensations.
Vous n’êtes pas sans savoir ce qu’il va arriver au personnage, incarné avec brio par James Franco, il suffit de regarder la bande-annonce… je peux donc vous dire sans crainte (et sans spoiler), qu’un rocher va lui tomber sur le bras et lui empêcher toute capacité de mouvement. C’est alors que nous ressentons quasiment notre propre bras écrasé, et ce tout le long du film. Nous ressentons également le soleil qui le réchauffe après une nuit glaciale, le vent qui traverse la faille dans laquelle il se trouve, et la fatigue insoutenable qu’il éprouve. Même la pierre qu’il aime caresser de la main malgré son malheur ; et l’eau qu’il boit, nous la buvons également (que dire de la suite).

Tout cela est bien sûr dû à l’extrême proximité que nous avons avec le personnage. Nous sommes dans la faille, avec lui… Et nous n’en sortons, qu’à quelques courts moments, simplement pour marquer encore plus le manque d’air, la claustrophobie, la douleur, le stress de la mort qui approche à grands pas. C’est par l’une de ces astuces de mise-en-scène que Boyle nous tient : nous savons que la vie poursuit son cours juste à côté, voir même au dessus, dans les airs. Un corbeau passe tous les matins (un signe ?). Et, toujours au-dessus, si seulement les gouttes pouvaient perler, ils aurait de quoi se rationner…
Mais pour en revenir aux sensations, cela est toujours dû à cette réalisation maîtrisée d’un bout à l’autre : en plus des images et de leurs macro-proximitées, vient le son. Lorsqu’il caresse la pierre, grâce à ce son justement, ce geste est presque sensuel ; lorsqu’il la gratte au contraire, nos dents crissent les unes contre les autres, et le sound-design très marqué ne fait qu’amplifier tous les moments de douleurs qu’il peut éprouver.

L’eau : sans elle, sans son abondance en plein désert, avant le décès probable viennent les hallucinations, et c’est ce que traduit également très bien Boyle. Ainsi, l’histoire de sa vie est racontée par celles-ci, que ce soit la réalité (ses souvenirs), ses espoirs / rêves / fantasmes, ou ses cauchemars ; une des explications de ce split-screen qui découpe l’écran en trois parties, en un leitmotiv de montage qui nous permet de mieux analyser le métrage.

Ce split-screen apparaît dès le début du film, or il semble avoir un tout autre sens : il y aurait la réalité du personnage, celle du réalisateur et celle des peuples du monde entier. Sans oublier ce que nous comprenons plus tard : le passé, le présent du rocher, et le futur que le protagoniste ne prévoit jamais.

Pour commencer, la réalité du personnage : c’est un homme inconscient du danger dont seules sa propre personne et la quête d’adrénaline comptent, à tel point qu’il se coupe même de l’endroit où il se trouve d’une certaine manière, n’ayant que son casque sur les oreilles ; d’ailleurs il le dit lui-même « moi, le désert, et la musique, tout ce que j’aime » en se rendant sur son terrain de jeu.
Car ce n’est que ça, ce désert est un terrain de jeu pour ce jeune homme qui n’est pas encore un homme. Il se revoit même en plusieurs scénettes, petit garçon et ado dans sa famille. De plus, il le dit très bien, le bras sous le rocher, « c’est comme si toute ma vie était prédestiné à ce moment là », comme si il lui fallait une grosse, énorme claque pour se réveiller et devenir enfin adulte.
Il a donc de réel moment de lucidité et de l’ironie sur lui-même, comme Danny Boyle a énormément d’ironie sur cette histoire et son personnage : il nous fait presque rire à certains moments en nous détachant du personnage qui souffre pour nous laisser respirer, et marquer l’absurdité de la situation. Il à fait franchir un cap en matière d’histoire vraie adaptée au cinéma en tout cas : jamais nous n’aurons été aussi happé de manière si violente par une vérité romancée.

Et pourtant notre protagoniste était prévenu : les peintures rupestres entre-aperçues dans la nuit au début marquaient bien le fait que ce lieu avait une histoire, que des hommes y avaient vécu et en connaissaient bien mieux que lui tout ses dangers ; il n’aurait donc jamais dû se couper à ce point des autres, ce qu’il ne comprendra que trop tard.

Je m’était dis avant la séance, mais comment le réalisateur va-t-il faire pour tenir le spectateur en haleine sur un point de départ aussi simple ? C’est chose faite de manière virtuose. Il ne me reste plus qu’à lire la biographie de l’homme dont est inspirée l’histoire (qui au final, est d’un courage… extrême) et de m’acheter la bande originale (qui dépote également).

Ici je vous parlerai de cinéma à tout va, c’est ma passion, ma drogue dure qui perduredepuis si longtemps. Mais je n’hésiterai pas non plus à vous faire part de mes découvertes, que ce soit en matière de musique (ce dont je peux encore moins me passer que decinéma), de courts-métrages et probablement de beaucoup de choses encore.

Le cinéma est un art mineur, certes, mais il a le mérite de détendre voire de faire réfléchir (de temps à autres). Et comme l’a dit Kubrick (dont je suis le premier fan), si le réalisateur a réussi son coup, par les émotions que le film nous a procuré, quelque temps plus tard nous en retenons quelque chose et ce, parfois même, sans nous en rendre compte.

Le cinéma ne raconte aucune vérité, et celui qui prétend dire le contraire est d’une vanité abyssale… Non, aucune, c’est la vérité du scénariste en premier lieu puis du cinéaste (ou l’auteur-réalisateur), qui s’amusent tout deuxà cacher des choses aux spectateurs pour mieux les manipuler afin que l’expérience sensorielle et intellectuelle en soit plus forte. Mais ce sont avant tout les sensations qui comptent, le fond est peut-être plus important mais sans les émotions, personne ne retient votre histoire car elle n’a pas de vie, seules des illusions s’agitent devant vous sans que l’empathie ne se fasse. Or il est toujours question d’empathie dans un métrage, que nous le voulions ou pas l’identification se fait d’elle-même ; s’il y a vie c’est aussi parce que nous nous mettons en scène et devenons acteurs du film que nous regardons, bien que nous ne prenions pas forcément la place du personnage principal, nous pouvons nous interroger sur le choix que l’on ferait à sa place à un certain moment du film par exemple.

Je rajoute ici mes deux premières critiques, publiées d’abord chez AnotherWhiskyForMisterBukowski (site que vous avez en lien, à droite dans le blogroll)

“LE DISCOURS D’UN ROI” OU D’UN ORTHOPHONISTE ?

Quand on voit qu’un réalisateur, en l’occurrence Tom Hooper, en est à son troisième film et qu’il ne décolle pas, on peut se dire que c’est son style, que ça plaît ou pas, ou bien encore qu’il est brimé par sa boîte de prod. Ici je ne crois pas, je pense plutôt à un petit gâchis, à un discours trop polissé alors qu’un sujet d’une telle ampleur méritait l’ambition d’un (réalisateur) roi justement.

Malgré tout, nous passons plutôt un agréable moment. Nous nous délectons de plusieurs séquences d’une première partie ou Lionel Logue, l’orthophoniste qui fait également office de psychologue, tente de résoudre le problème de bégaiement du futur roi Georges VI.

S’il faut retenir quelque chose en premier de ce film, c’est bien cette première partie où l’humour se confronte à l’Histoire, dans un mélange scénaristique implacable. Ainsi nous passons du sourire en coin, aux rires aigues, pour finir, en une fraction de seconde, aux frissons que procure la tristesse d’un homme seul face à sa mémoire et celle de son pays.

Mais cette histoire n’est pas véritablement celle du roi interprété par Colin Firth, c’est plutôt celle d’un homme de l’ombre, « aux méthodes peu orthodoxes » et  « à l’aplomb redoutable » comme dit dans le film. « Un homme du peuple » qui conduira le roi vers son avenir : son bien être en tant que personne ; et la prise de responsabilités et de pouvoirs nécessaires afin de conduire convenablement son pays, avec courage et détermination, vers la seconde guerre mondiale. Et oui, diriger un empire, c’est pas si simple. Cette histoire, je disais donc, est celle de Lionel Logue, le cœur du film, interprété avec finesse par Geoffrey Rush.

Pourquoi, d’ailleurs, le dernier plan est sur ce personnage ? Tout simplement car sans lui, un idiot ingrat aurait été à la tête de l’empire anglais. Je parle ici du frère ainé de Georges VI, le très vite oublié (dans le film tout du moins) Edouard VIII. Bien sûr, il s’agit d’une caricature d’Edouard VIII, un second rôle écrit en trois lignes, comme le rôle du père, Georges V, trop dur avec ce fils bégayant. Tous ces seconds rôles sont amers de toutes manières, ils manquent de prestance. Regardez Churchill qui n’est qu’une blague, une injure même. Même Helena Bonham Carter, bien qu’étant plus présente, ne porte pas réellement le soutien indescriptible que la reine Elizabeth a dû donner.

Et s’il faut parler du roi lui-même, il m’apparaît comme un gentil simplet néanmoins courageux. On a certes de la peine pour lui mais comme on aurait de la peine pour n’importe quel bègue, malheureusement c’est notre thème.

Et puis voici cette seconde partie lente, beaucoup trop lente. Je veux dire par là que même s’il y a action (tiraillement du rôle de Colin Firth entre devenir roi ou pas), celle-ci aurait dû être balayée d’un revers de main pour s’attaquer à cette troisième partie où tout aurait dû être bien plus ambitieux. Une guerre mondiale approche et même s’il faut tenir notre thème, l’histoire du roi, il faut néanmoins bien plus la magnifier et la situer dans ce contexte de crise. Un petit crescendo n’aurait pas été de trop non plus. Or voilà que le discours déclamant la guerre est fait, et nous nous congratulons, avec un large sourires aux lèvres, que le roi ait enfin pu prononcer son discours. Hey les gars, les bombes vont tomber hein !

Ce qui aurait pu être un très bon film aux allures shakespeariennes, se retrouve donc cantonné au film du dimanche soir en famille : de l’émotion certes mais peu de profondeur. Et c’est pas deux / trois plans sympas qui me feront changer d’avis.

Vous comprenez pourquoi j’attends « Tree Of Life ».

“SOMEWHERE” OU L’ART DE COMMENCER PAR LA FIN.

Sofia Coppola, fille de au talent indéniable, au parcours exceptionnel au service de la mode puis du cinéma, m’a laissé perplexe devant son dernier film. A l’image du dernier plan qui renvoie lui-même au tout premier, nous sommes ici dans un vaste monde où l’on retrouve de nouveaux des personnages perdus dans un certain espace-temps.

Nous allons donc découvrir une vie l’espace d’un instant, la suivre dans ses moindres détails et y découvrir les nœuds qui empêchent un semblant de réalité dans un monde faux, hypocrite mais néanmoins pas si malsain.

Sofia Coppola nous parle de Johnny Marco, un acteur d’une nonchalance rare, triste et seul, néanmoins rendu d’emblée sympathique car l’on croit quand même percevoir chez lui qu’il sait la chance qu’il a. Cela se manifeste parfois avec certains personnages non-issu du même milieu que lui : alcool, argent et filles faciles en opposition au simple employé de l’hôtel Château-Marmont qu’il salut de temps à autres.

Mais on s’aperçoit très vite que ce n’est qu’un ado attardé, refusant quasiment toutes responsabilités y comprit celle de s’occuper de sa propre fille. Quel désarroi lorsqu’il apprend qu’il doit la garder plus longtemps que prévu. C’est ainsi que le film commence réellement. Et qu’il finira tout aussi vite d’ailleurs car, comme je vous l’ai dis, le film ne m’a pas plut plus que ça. Se rendre compte que l’on a des obligations, des personnes que l’on aime et que l’on doit chérir, qu’en fin de compte la vie est plus précieuse que ça… Ne sont-ils pas des messages quelque peu simplistes.

Certes, une véritable atmosphère se dégage du film, comme à l’accoutumée chez Sofia Coppola je dirais. Et si l’on doit retenir quelque chose de ce long-métrage, c’est bien cet univers doux sur fond de rock’n’roll qui fait que l’on reste néanmoins tout le long du film, sur son fauteuil comme dans du coton.

Les parallèles avec « Lost in translation », spécialement, sont nombreux : un homme et une femme d’âges diamétralement opposés, Bill Murray et Scarlett Johansson d’un côté, et Stephen Dorff et Elle Fanning de l’autre ; un hôtel en guise de maison transitoire ou rien n’est vraiment à eux ; Bill Murray en froid avec sa femme dans l’un, Stephen Dorff déjà divorcé dans l’autre ; Scarlett Johansson qui pleure son petit ami trop loin, seul réconfort qu’elle aurait pu avoir dans une ville trop grande ; comme la petite Elle Fanning pleure le réconfort qu’elle n’a pas dans une vie trop grande. Alors non ce n’est pas un copié-collé, mais ces similitudes sont troublantes.

Pour tout vous dire, je me suis dis, à la fin de la projection, que « Somewhere » aurait fait un très bon premier film et « Virgin Suicides » un très bon dernier : l’art de commencer par la fin. Si le processus philosophique de Sofia Coppola est d’épurer ses films jusqu’à ne garder que la superficialité des choses de la vie, elle pourra bientôt filmer la vie d’une abeille.